Autor: Jan Michorius

Mit dieser interaktiven Installation thematisiert Schellekens Begriffe wie Zeit und Fragilität, Transformation und Strenge. Er schafft eine Wechselwirkung zwischen der gezeigten Landschaft und ihrer Darstellung, um die Lesbarkeit des Bildes zu verlangsamen und die Aufmerksamkeit auf die fragile Transformation zu lenken, die die Landschaft und ihre Bewohner jede Stunde, jeden Tag, jede Jahreszeit, jede Epoche durchlaufen. Für Schellekens ist ein Kunstwerk kein flüchtiges und konsumierbares Bild, sondern etwas, das Zeit braucht. Es spiegelt, insbesondere im Kontext der Pandemie, unseren Umgang mit der stillstehenden oder verlangsamten Zeit wider. In „I Am Still Here“ übersetzt Schellekens die Flüchtigkeit eines Fotos einer sich ständig verändernden Landschaft in einen zeitaufwändigeren Prozess der eigenen „Entwicklung“ des Bildes, wie in den alten analogen Tagen, mithilfe moderner Technologie. Das Negativ war früher das Zwischenstadium des endgültigen Bildes. In dieser Arbeit ist das Negativ eine Metapher für das Zwischenstadium und die heikle Phase, in der Natur und Mensch Tag für Tag die Zeit durchleben. Es ist ein Stadium, in dem die Zeit eine massive Rolle spielt. Viele Menschen spüren, dass unser Verhältnis zur Zeit in einer Krise steckt. Technologische Entwicklungen fragmentieren unser Zeitgefühl, was manchen von uns das Gefühl gibt, immer einen Schritt zurück zu sein. Das Bild ist eine Momentaufnahme, aufgenommen an einem bestimmten Tag in unserer heutigen turbulenten Zeit. Die Präsenz des Künstlers auf dem Bild symbolisiert unsere Verletzlichkeit gegenüber Veränderungen und der Zeit. Auf den ersten Blick scheint sich diese Landschaft weder in den vergangenen noch in den kommenden Jahren wesentlich verändert zu haben, doch im Licht der Geschichte erscheint selbst die raueste Natur viel zerbrechlicher, als man es sich vorstellt.

Ein überdimensionales Tier lebt jetzt im Stadtpark Hahn. Zusammen mit ihrem jungen Kalb streift sie friedlich durch die dicht bewaldeten Hänge des Kylltals. Es bleibt zu hoffen, dass bald eine Zeit kommt, in der Tiere ohne Angst an unserer Seite leben können, bevor viele weitere Arten von Wildtieren – große und kleine – durch die rasante Zerstörung unserer natürlichen Umwelt durch den Menschen aussterben.

Ewa Dąbrowska wurde 1989 in Warschau geboren und schloss 2018 ihr Studium der Bildhauerei in Warschau mit “cum laude” ab. Sie arbeitet mit Installationen, traditionellen Skulpturen, Zeichnungen, Landart, aber auch mit Happenings, bei denen sie Musik und Skulptur in einem kreativen Prozess verbindet. Im Jahr 2019 baute sie Kroppemann, ein athletisches Wasserwesen aus Treibholz, das durch den Wald lief und die Herzen vieler Kyllburger gewann.

Eine Markierung macht auf etwas aufmerksam, das schon die ganze Zeit da ist, aber nicht (mehr) wahrgenommen wird. Sie fordert auf, sich damit auseinanderzusetzen. Es ist ein Akt der Bewusstwerdung.

„Künstlerische Arbeit ist die Freiheit, unbekannte Wege zu gehen.“

Benjamin Hirtz, Jahrgang 1955, künstlerisch, gestalterisch und handwerklich sowie kunstpädagogisch in diversen Ateliers und Ausbildungsstätten ausgebildet. Selbstständig als Bildhauer, Gestalter, Lehrer.

Nach der Arbeit mit schwerem Stein und anderem Material interessiert mich im Moment eher das Skizzenhafte. Es ist leicht und frei und nicht fertig … lässt der Fantasie Spielraum und fordert den Betrachter, den eigenen inneren Bildern und Prozessen zu folgen und sich (damit) auseinanderzusetzen.

Für die Kunstroute fertigte Rijcken ein „prähistorisches Felsbild“ mit Farben, Kohle und Kreiden an, die auch schon vor tausenden von Jahren verwendet worden sein könnten. In fünf Bildern springt Rijcken durch die Geschichte.

Die Botschaft, die er für künftige Generationen mitteilt, ist keine frohe: „Als Menschheit scheinen wir nicht zu verstehen, dass wir ein Teil der Natur sind, dass wir von der Natur unterstützt werden und von der Natur abhängig sind. Wenn wir das wirklich verstehen würden, wären wir nicht da, wo wir die Welt heute hingebracht haben“.

Olivier Rijcken, geboren 1967 in Aduard (Niederlande), ist Illustrator und Künstler. Er macht durch seine Kunst, seine Dolers und der Visualisierung von Veränderungs- und Lernprozessen, aufmerksam auf die Perspektive einer gerechteren und nachhaltigeren Welt.

Seit 2011 beschäftigt er sich mit der Herstellung von Dolers: auf Wände gemalt, in Holz geschnitten, an Sandstränden geharkt oder auf Rasenflächen gemäht. Das tat er an verschiedenen Standorten in Norwegen, Dänemark, Deutschland, den Niederlanden, Belgien und Äthiopien. Eine der Herausforderungen besteht für ihn darin, nur umweltfreundliche Materialien und Interventionen zu verwenden.

Der gemähte Doler wirkt spielerisch als dekoratives Element entlang des Schlossgartens. Doler nennt der Künstler Olivier Rijcken die labyrinthartige Muster, die er in verschiedenen Materialien und unterschiedlichen Großen anfertigt. Der Betrachter kann sich leicht in die sorgfältig und doch intuitiv hergestellten, ausgewogenen geometrischen Formen hineinversetzen. In Kombination mit der Schlosskulisse versetzen die Dekorationen leicht in die Welt der keltischen Gärten. Für Rijcken repräsentieren die Dolers jedoch so viel mehr: die Verbundenheit der Dinge, das Finden des eigenen Weges in der Welt und die Transformation. Dieses temporäre Kunstwerk ist eine Kooperation zwischen Schloss Malberg und der Kunstroute Kyllburg.

Olivier Rijcken, geboren 1967 in Aduard (Niederlande), ist Illustrator und Künstler. Er macht durch seine Kunst, seine Dolers und der Visualisierung von Veränderungs- und Lernprozessen, aufmerksam auf die Perspektive einer gerechteren und nachhaltigeren Welt.

Seit 2011 beschäftigt er sich mit der Herstellung von Dolers: auf Wände gemalt, in Holz geschnitten, an Sandstränden geharkt oder auf Rasenflächen gemäht. Das tat er an verschiedenen Standorten in Norwegen, Dänemark, Deutschland, den Niederlanden, Belgien und Äthiopien. Eine der Herausforderungen besteht für ihn darin, nur umweltfreundliche Materialien und Interventionen zu verwenden.

Diese Arbeit von Ibelisse Guardia Ferragutti ist eine Reflexion über den Verlust des tiefen Zuhörens und den Zeitmangel, der von uns Besitz ergriffen hat. Um jenen zuzuhören, die sich ständig in Veränderung befinden, werden wir manchmal gebeten, eine Pause einzulegen und der lauten Stille eine Stimme zu geben. Es spielt mit dem Konzept des „Verschachtelns“ als interaktivem Spielplatz, in Form eines Nestes hat. Es ist brüchig, sich mit unserer wiederkehrenden menschlichen Erfahrung auseinanderzusetzen. Es ist eine Kraft, sich während unseres Lebens um unsere vielfältigen Transformationsbedürfnisse zu kümmern. Ein Nest lädt Sie ein, sich einzuwickeln, sich zurückzuziehen, zu nähren und einzutauchen in eine zeitlose Erfahrung. Ein Nest als Sammlung zufälliger Landschaftsmöglichkeiten in einem organisierten hyper-egozentrischen Blickwinkel; wenn wir eng mit der eigenen Perspektive spielen, können wir möglicherweise mit der Waldperspektive spielen.

[P] Die künstlerische Arbeit Ibelisses bewegt sich zwischen Performance, Theater, Musik, Installation und Komposition. Ibelisses Faszination beruht auf unseren Körpern als Spiegel, Karten und Reflexion unserer Identität und wie diese Dinge eng mit unserem Umfeld, Orten und Räumen zusammenhängen, in denen wir leben. Ihre Arbeiten flirten gerne mit Poesie, Absurdismus, Spiritualität und Surrealismus. Die Basis ihrer Arbeit kreist um die Worte „Hingabe“ und „Trance“. Das sind stets wiederkehrende Aspekte in ihrer großen Vielfalt an Werken und Mitwirkungen in verschiedenen Disziplinen. Sie lädt die Besucher ein, darüber nachzudenken, wie unser Körper durch unsere Sinne einen nicht alltäglichen Reflexionszustand erreichen kann. Durch ihr Engagement, ihre Verspieltheit und ihre Bereitschaft, sich dem Vergnügen der Neugier hinzugeben, ist es ihr möglich, neue Spielwiesen zu schaffen und damit immer wieder in unsere Körper einzutauchen und so unser direktes Umfeld zu erreichen.